Sufre mamón

“Sufre mamón” ha sido el título elegido para el segundo musical que ha dirigido Xavi García. Tras el primer proyecto, “Cómo pudiste hacerme esto a mí”, este artista, los alumnos del colegio Divina Pastora de Monóvar y otros jóvenes han querido repetir experiencia. Ayer, 25 de julio, tuvo lugar la representación de esta obra en el “Teatro Principal” de Monóvar con dos sesiones, a las 18.00h y a las 21.00h.

“Sufre mamón” se estrenó con el teatro a rebosar  y un público lleno de expectativas. El guion estaba repleto de guiños hacia costumbres, lugares y elementos típicos del municipio, cosa que acercaba al espectador la acción. Las risas se sucedieron a lo largo de los dos actos acompañadas de grandes canciones como la que da nombre al musical, un medley de Grease o “Thriller” de Michael Jackson. Quizá el guion pecó de falta de dirección o encadenamiento de los diferentes sucesos, pues parte del público al final de la representación no fue capaz de definir la trama concreta.

En cuanto a los actores, hubo grandes sorpresas, como Raúl Gil, que brilló por su naturalidad y desparpajo sobre el escenario. Su personaje ha de encontrar el valor de confesar a su padre, un hombre un tanto rudo, su homosexualidad, cosa que representó a la perfección.  Ángel Aso y Julia Esteve también  realizaron un gran trabajo basado en una interpretación desarrollada desde la interiorización del personaje y una muy buena vocalización. Entre el elenco más veterano, llamó la atención Carlos Maluenda, quien sorprendió a los presentes con un papel bastante contrario a su personalidad pero que llevó a cabo con una profesionalidad notable.

    

Algunos actores durante la representación

Así  mismo, hubo varios colaboradores que no se pusieron en la piel de un personaje muy distinto al suyo y que hicieron que al público se le abrieran los ojos como platos. José Miguel Sánchez, uno de los sacerdotes del pueblo y las pedanías, fue el encargado de oficiar la boda entre dos de los protagonistas y lo hizo con mucho ritmo en las venas y con un gran humor. Por otro lado, Tomás “el escandalós” dio el toque satírico durante el final del segundo acto con sus frases típicas “monoveras” y con su particular tono de voz que no necesita de micrófono para ser oído en un teatro entero.

 

  

Fotos de las escenas con José Miguel Sánchez y Tomás "el escandalós"

Respecto a la parte musical, quizá las voces en playback restaron autenticidad y frescura a la obra. Además, cabe destacar que muchos de los actores tenían talento suficiente para defender con éxito los temas en directo. Aunque las coreografías compensaban esto, ya que estaban muy bien elaboradas y la coordinación entre los bailarines era óptima en bastantes ocasiones, cosa que asegura que varias componentes del elenco estudian danza. La aparición de una niña que realizó acrobacias en cintas también logró que los espectadores dejaran volar su imaginación a la vez disfrutaban de la belleza del espectáculo.

Acróbata con cintas

En cuanto a los decorados, los fondos se realizaron mediante proyección, cosa que moderniza la obra, pero también complica otros aspectos como los cambios de escenas. El público veía directamente los cambios de decorados físicos o tramoya, lo cual no es demasiado estético.

Pero en general, los asistentes pasaron un rato muy agradable y desconectaron de los problemas para dejarse llevar con las bromas de los protagonistas, que en alguna ocasión representaron escenas de películas o series conocidas de manera irónica. Además, hay que destacar que este tipo de actividades fomentan el compañerismo y aportan valores a los jóvenes que participan, cosa que hay que agradecer en los tiempos que corren. Por lo tanto, el público ha de valorar no sólo la representación en sí, sino también la labor educativa y de formación personal que se lleva a cabo con estos talleres, pues tanto los que dirigen como los que actúan y colaboran no hacen más que disfrutar y trabajar sin contribución alguna por un proyecto en el que vuelcan su ilusión y su tiempo.

                                                                                                         

(Al ser una representación no profesional no pondremos nota, porque no sería justo comparar una obra amateur con una profesional, pues no poseen ni los mismos recursos técnicos, ni materiales, ni experiencia).

"A los músicos no se nos entiende" Andrea Jordá Calcerrada

A veces hay conjuntos de personas en nuestra sociedad que no son demasiado comprendidos por la gran mayoría. Uno de esos grupos son los músicos. La carrera para ser músico profesional suele durar 14 años, sí, CATORCE: 4 años de Enseñanza Elemental, 6 años de Grado Profesional y 4 de Superior.

Mucha gente relaciona a los músicos con largos conciertos monótonos y aburridos, cuando en muchas ocasiones su función es bien distinta. Los instrumentistas son los encargados de hacer brillar a las estrellas, a los cantantes, a los actores e, incluso, a otros músicos. Formar parte de una orquesta o banda es, con el paso del tiempo, casi como pertenecer a una gran familia debido a la cantidad de tiempo que se pasa en los ensayos y actuaciones.

Su trabajo, en muchas ocasiones escondido tras el telón de un escenario o en un salón de ensayo, está conformado por un millón de horas de estudio, perfeccionamiento y gran esfuerzo profesional y personal. Por todo esto, queremos dar voz a una historia viva, real y corriente, la de la estudiante de música Andrea Jordá Calcerrada.

El Rey León

El Rey León es uno de los musicales más famosos de la historia y que más impacto ha causado en los espectadores en todo el mundo. Esta obra está basada en la película Disney, que posee el mismo nombre, y se estrenó como musical en Broadway en 1997. Esta gran producción llega a Londres en 1999, consiguiendo así su entrada en Europa y estrenándose en 2013 en España. La ciudad que acoge este musical en Latinoamérica es México en 2015.

La puesta en escena de El Rey León se caracteriza en primer lugar por la representación de los protagonistas. Algunos tienen forma de marionetas de tamaño real, como es el caso de Zazú o Timón; mientras que otros, como los leones o las hienas, son los propios actores los que, disfrazados y complementándose de miembros u objetos externos, encarnan los personajes en cuestión. Bien es cierto, que en el caso de las marionetas, los actores han de medir mucho los movimientos corporales para no destacar por encima de la marioneta a la que están adheridos, pues ellos van camuflados para no distraer con su cuerpo demasiado la atención del espectador. 

Zazú (personaje en forma de marioneta)

Leones (actores que usan su propio cuerpo)

Otro aspecto a destacar es la escenificación o ambientación. La utilización de la diferente iluminación es vital para ir entendiendo el paso de la historia, pero cabe resaltar que predominan los colores anaranjados para el día, para aparentar la luz que caracteriza al continente africano, y los azules y verdes para la noche. El elemento que también identifica a la perfección este musical es el gran sol que se alza al comienzo y cuya forma es de lo más característica. El gran dinamismo de los diferentes escenarios hace mucho más ágil el transcurso de la trama, así como el cambio de escenarios. 

El sol de El Rey León

En cuanto a la música… es totalmente brillante. La presencia constante de la percusión típica africana le da veracidad y un carácter que hace que el espectador deje que su imaginación viaje a otro país y se meta en la situación que se desarrolla sobre el escenario sin moverse de la butaca. Los ritmos africanos se coescribieron para el musical y el encargado fue Lebo M. Con este añadido se enriqueció todavía más la composición de Elton John y Tim Rice. Pero no se puede dejar de lado la importancia de los coros en las canciones de este musical. Las voces que complementan a los protagonistas en cada canción están perfectamente compuestas en cuanto a armonía, pero no sólo eso, sino que ayudan a situar o ampliar el significado de las canciones. Sin el coro esta obra maestra estaría coja y su música sería mucho menos llamativa y conmovedora.

Instrumentos africanos que se utilizan 

Si hubiese que sacar a relucir alguna cosa negativa, sólo se podría hablar de la sobreexplotación de algunos actores, los cuales, después de hacer un pase todos los días, tienen que realizar “doblete” los fines de semana. Esto repercute en el cansancio físico y psicológico, pero principalmente en la voz. En algunas ocasiones, debido al esfuerzo o al agotamiento, los profesionales no vocalizan bien y dificultan el entendimiento de las frases a los espectadores en los diálogos, pero, sobre todo, en las canciones. Pero esto ocurre en muy contadas ocasiones, pues el elenco está formado siempre por grandes artistas con una gran preparación.

Puntuación:

8/10

Quédate en Madrid

En la historia de la música española, uno de los grupos más importantes y que crearon tendencia fue Mecano. Tras triunfar en más de medio mundo, grabar diversos discos y forjar algo mucho más fuerte que una simple amistad, el grupo decide separarse. Ana Torroja empieza una carrera en solitario y Nacho Cano también. José María Cano cambia el rumbo de su vida y decide seguir con el arte, pero no el musical. 

Con el paso del tiempo, Nacho Cano consiguió convertirse en uno de los hitos más importantes en cuanto a la creación de teatros musicales. Su primer triunfo fue "Hoy no me puedo levantar", en 2005, que logró agotar localidades en los teatros durante cinco años consecutivos y realizó gira por toda España. La siguiente obra que le destacaría en este ámbito sería "A", un musical que se pondría en escena de manera muy novedosa sorprendiendo al público y que estaría en cartelera un año y medio.

"Quédate en Madrid" de Mecano es una canción que aparece en el musical "Hoy no me puedo levantar". Los intérpretes son Ana y Colate. Ella expresa tristemente, tras ver cómo ha afectado la capital a su novio, que se quede en Madrid, a pesar de que está embarazada y él no lo sabe. La canción explica con una clara delicadeza muy directa momentos, e incluso sensaciones, que han vivido juntos.

Aquí os dejo mi versión. Espero que os guste.